Responsables de l’atelier
Aurélie THIRIA-MEULEMANS (Université de Picardie Jules Verne)
Laure BLANCHEMAIN-FAUCON (Université Toulouse 2 Jean-Jaurès)
Hélène MACHINAL (Université Rennes 2)
Blanchemain-Faucon Laure – Université Toulouse 2 Jean-Jaurès, CAS laure.blanchemain-faucon@univ-tlse2.fr
« “Experienc[ing] Life out of Sequence”: Feminist Temporality and History in Agatha All Along (2024) »
After her success as co-writer for Captain Marvel (2019) and Black Widow (2021), Jac Schaeffer has become a household name with her miniseries Wandavision (2021) and its spin-off Agatha All Along (2024). While the former revisited the history and tropes of sitcoms, the latter focuses on mythmaking in the history of witches. Like Maleficent (2014) or the musical Wicked (2003), whose protagonists are both referenced in Schaeffer’s miniseries, Agatha All Along offers a deeper insight into the villain in Wandavision, Agatha Harkness, with the view of challenging the clichés on bad witches. The story of her path to (slow and limited) redemption is tightly connected with the reflection on feminism which underpins the whole TV show.
This paper will explore the ways in which the treatment of time effects a break from hegemonic master narratives, advocating for a feminist emancipation from “the time of linear history” (Kristeva).
The series gives prominence to “women’s time” (Kristeva), characterized by cyclical repetition, with a protagonist who is enmeshed in an endless circle both created by her anchorage in Nature as a witch and the trauma over the loss of her child. The supposed objectivity of history is also challenged by the reassertion of multiple subjective viewpoints and the emphasis on alternative histories.
But can such emancipation from supposedly objective linear history also apply to the history of feminism? That is the question more specifically broached by Agatha All Along with its obvious references to the three waves of feminism of the 1970s, the 1980s and the 1990s, with three trials, set in those periods, focusing respectively on egalitarian sisterhood, identity issues and the diversity of the witches’ pasts and the multifaceted aspects of patriarchal oppression. This chronological model has been increasingly denounced as following the structure of hegemonic narratives (Sandoval). As Victoria Browne demonstrates, such an ordering of different feminisms “implies that only one kind of feminism is possible at a time and, moreover, that older forms of theory and practice necessarily become obsolete as time moves on.” Previous forms of feminism are thus symbolically killed, although the newer forms derive power from them. Symbolically, this is exactly what Agatha Harkness seems to be doing, drawing her power from other witches, whom she kills in the process.
Ultimately, Agatha All Along seems to champion a new, more inclusive way to tell the history of feminism with a “polytemporal temporality” (Browne) that both questions time’s linearity – the waves of feminism are presented out of sequence – and “interweav[es] different temporal layers and strands” (Browne), as with the perspective of Lilia, who “experiences [her] life out of sequence” but brings together the past, the present and the future in meaningful ways.
Laure Blanchemain Faucon is Associate Professor at the University of Toulouse Jean Jaures, France. Author of two books on the feminist approach of Eighteenth-Century author Frances Burney and of numerous articles on Eighteenth- and Nineteenth-Century female authors, she has also devoted her research to film studies, focusing on adaptations of Jane Austen’s novels and more recently on the posthuman in television series, with the publication of “The ‘Permeable I’/ Eye: Hybrid Subjectivities in True Blood” (2019), “Permeable viewpoints and parasitic influence in BBC and Netflix’s Dracula” (2020) and “The Impact of COVID-19 on HBO’s Westworld Season Four: The Rejection of the Posthuman Body” (2025).
Cortinovis Paul – Université de Haute Alsace (UHA) de Mulhouse, ILLE paul.cortinovis@uha.fr
« Enfances Batman. Le drame fondateur de Bruce Wayne comme moteur d’émancipation prématurée et mobile de genèse super-héroïque »
Dans les chansons de geste médiévales, le concept d’Enfances désigne les exploits inauguraux du héros guerrier accomplis au début de son parcours d’adulte. Dans un souci de contextualisation narrative, cette catégorie peut s’étendre au cadre de l’enfance tel que nous l’entendons habituellement, notamment si celui-ci établit la genèse de la trajectoire du protagoniste et en éclaire la progression. En outre, il n’est pas rare qu’intervienne alors un événement tragique définissable sous le nom de drame fondateur, impliquant majoritairement un deuil survenant à des échéances aux circonstances variables, lesquelles façonneront irréversiblement son avenir. « Les meilleurs héros sont ceux qui dissimulent des blessures secrètes insoupçonnées », souligne Will Brooker.
Comment un drame fondateur entraîne et influence-t-il une émancipation ? Le passé de Bruce Wayne constitue un cas de figure paradoxal. En assistant impuissant au meurtre de ses parents durant son enfance, ce dernier a vu cette précieuse période de sa vie lui être arrachée. Ma communication propose d’explorer cette période fatidique de son existence à travers une mosaïque de souvenirs et de rêves. À partir de la superposition des enseignements de la psychanalyse au schéma actanciel initiatique typique des super-héros, appliqués aux rapports texte-image dans le corpus primaire indicatif présenté ci-dessous, il s’agira entres autres de déterminer la manière dont cette rude épreuve, instigatrice d’une véritable crise existentielle, a corrélativement contraint Bruce à réévaluer sa perception de l’enfance comme un poids, un fardeau l’éloignant de l’âge adulte, condition incontournable de toute action envisageable. La maturité se conçoit ainsi comme un statut, un titre récompensant la patience. À rebours d’un refus de grandir, Bruce a connu une phase d’émancipation aussi violente que précipitée, l’ayant forcé à mûrir hâtivement lorsqu’il méritait, au même titre que tous les enfants, de conserver son innocence. Dès lors, le deuil et la mélancolie le muniront paradoxalement de puissants moteurs de reconstruction voués à lui fournir les prémices du mobile de sa future croisade contre le crime qui l’attendra à l’âge adulte sous l’identité du justicier masqué Batman.
Doctorant en Littérature comparée et en Études anglophones à l’Université de Haute-Alsace (UHA) de Mulhouse, au laboratoire ILLE (Institut de Recherche en Langues et Littérature Européennes), Paul Cortinovis prépare une thèse intitulée Poétique et Esthétique du Surnaturel dans la franchise multi-médiatique de Batman, sous la direction de Pr. Maxime Leroy (ILLE) et la co-direction de Pr. Charlotte Krauss (FoReLLIS).
Elprin Jeremy – Université de Caen Normandie, ERIBIA jeremy.elprin@unicaen.fr
“‘Burden or deliverance’: Narrative Liberty-Taking and the Romanticization of the Past-Present in Ian McEwan’s What We Can Know (2025)”
Ian McEwan has called his most recent work, What We Can Know (2025), a “science fiction novel without the science” – a noteworthy pivot by one of the preeminent practitioners of formal realism is contemporary fiction. The novel, which represents McEwan’s second foray into science fiction in recent years, after the publication, in 2019, of Machines Like Me, can also be classified as a species of climate fiction: set a hundred years in the future, in the wake of cataclysmic events, referred to as “the Derangement” and “the Inundation”, which are said to have wrought havoc in the mid-21st century, What We Can Know tracks the present world’s reckless sleepwalking towards a catastrophic fate it knows can be avoided. Crucially, however, it does so by tracing the fate of a legendary lost poem, the only copy of which was written on vellum and recited, in 2014, by the poet Francis Blundy at the “Second Immortal Dinner” (an allusion to the first “Immortal Dinner” attended by Keats, Wordsworth, and Lamb, in 1817) held in honor of his wife, Vivien (herself a specialist of John Clare). By zooming in on an unreadable textual object, composed by a staunch climate-change denier and deemed “false” and “artificial” by its addressee, the novel ironically questions the value of its own narrative, which is split into two parts: the first, told from the perspective of Tom Metcalfe, an early-22nd-century literary scholar in search of the missing poem, and the second, presented as the confessional diary of Vivien, whose multiple crimes include the destruction of the poem. Each narrator engages in questionable forms of liberty-taking, but also in some form of willful, guilt-laden inaction or “passive compliance” (p. 295) in their respective present. This paper proposes to examine the dialectic between “liberation” and “constraint” (p. 87) – or between emancipation and escapism, the desire to break free of one’s personal as well as collective past and the need to reaffirm one’s rootedness and responsibilities in a particular place and time – which the novel frames in ethical as well as aesthetic terms. In nostalgically “romanticiz[ing]” (p. 97) the past, the novel invites us to ask, to what extent do we risk estrangement from the crises of our own present? Have traditional forms of narrative fiction become deranged (as famously argued by Amitav Ghosh [2016]) – and even unreadable – in the Anthropocene? And does this represent a creative and cultural “burden” or “deliverance”, a productive means forward or a return to late modernity’s recalcitrant Romantic roots?
Jeremy Elprin is Lecturer in English literature at the University of Caen Normandie. He holds graduate degrees from the University of Oxford and Paris Cité University, where he completed his PhD on the letters of John Keats. His research focuses primarily on 18th– and 19th-century British literature, with particular interest in Romantic-period poetry, correspondence and material culture, but his broader interests include the modern and postmodern novel and short story forms in English. His publications include articles on Keats, Samuel Taylor Coleridge, William Wordsworth, and Charlotte Lennox. He is the co-editor, with Mickaël Popelard, of Representations of the Commons in Early Modern England (Presses Universitaires de Caen, 2025), and is currently co-editing a volume on 20th– and 21st-century offshoots of British Romanticism (slated to appear in 2026).
Favard Florent – IECA Nancy – Université de Lorraine / CREM favard.florent@gmail.com
« L’actual play dans le système hollywoodien : le cas de Critical Role »
Cette communication se propose d’analyser Critical Role comme un objet sériel audiovisuel singulier, un possible « nouveau média1 ». Critical Role est une émission diffusée en direct sur Twitch depuis 2015, au cours de laquelle des comédien·nes professionnel·les jouent au jeu de rôle Donjons & Dragons sous la direction d’un maître de jeu, jonglant entre différents niveaux narratifs, ludiques et parasociaux.
En une dizaine d’années, l’émission s’est imposée comme l’un des leaders mondiaux de ce nouveau format nommé actual play (au côté, notamment, de Dimension 20), participant largement à sa légitimation, jusqu’à donner lieu à des adaptations en séries animées produites par Amazon (The Legend of Vox Machina, The Mighty Nein).
Dans le cadre de l’atelier, la communication entend interroger Critical Role à partir de la question de l’émancipation, en articulant plusieurs axes complémentaires.
Un premier axe concerne les dynamiques d’inclusion et de diversité au sein de l’actual play. Au fil des campagnes, Critical Role a intégré de manière croissante des joueur·euses invité·es non-blanc·hes, queer ou issu·es de minorités, participant à une redéfinition partielle des normes de représentation du genre fantasy. Cette ouverture ne va toutefois pas sans négociations formelles : l’accueil de guest players implique une structuration spécifique des arcs narratifs et du gameplay, afin de ménager aux niveaux narratifs et ludiques des espaces d’accueil, souvent temporaires (en termes de gameplay, la Campagne 4, qui vient de débuter, adopte par exemple le style dit « West Marches » pour accommoder les agendas des joueur·euses).
Un deuxième axe porte sur la tension entre émancipation créative et intégration industrielle. Bien que souvent perçu comme un modèle alternatif, Critical Role n’a jamais été un projet véritablement amateur et s’inscrit pleinement dans une logique économique hollywoodienne. Les adaptations animées condensent des centaines d’heures de jeu en quelques saisons et éliminent les éléments relevant explicitement de la mythologie de Donjons & Dragons, produisant une forme de dissonance narrative, de « reader’s digest » des campagnes de jeu. Cette industrialisation interroge également le positionnement « diversité » et queer-friendly de la marque Critical Role, entre engagements sincères et logiques de marketing culturel, voire de pinkwashing.
Enfin, en lien avec mes travaux en narratologie des séries et sur les mondes fictionnels complexes, je proposerai d’analyser l’univers fictionnel de Critical Role comme un espace dense de tensions idéologiques, mettant en scène des zones d’accueil, de conflit et de négociation des valeurs contemporaines, le niveau de la fiction résonnant avec ses conditions de production et de circulation.
Florent Favard est Maître de Conférences en Sciences de l’Information et de la Communication. Il se spécialise dans la complexité narrative des séries télévisées et des franchises cinématographiques contemporaines. Il a notamment publié Écrire une série TV aux PUFR (2019) et Le récit dans les séries de science-fiction chez Armand Colin (2018). Ses recherches se focalisent actuellement sur la narration sérielle des services de streaming, et sur les liens entre sérialité et worldbuilding.
Galiné Marine – Université de Reims Champagne-Ardenne, CIRLEP marine.galine@univ-reims.fr
« S’extirper du carcan gothique : enjeux et jeux autour du féminin chez Kelly, Roche et Selden (Irlande, XIXème siècle) »
Cette communication s’appuiera sur un corpus d’œuvres issues du gothique irlandais et écrites par des autrices peu ou non considérées par la critique : Eliza Kelly, Regina Maria Roche et Catharine Selden. Si leurs romans semblent s’inscrire dans la tradition radclifféenne du début du dix-neuvième siècle, ils se révèlent plus complexes dans leur utilisation de codes génériques éculés souvent considérés comme conservateurs. Il s’agira de mettre en valeur la dimension ludique de l’écriture de ces autrices – par le jeu de la métafiction – et la façon dont elles s’emparent de tropes littéraires spécifiques au gothique irlandais pour mieux s’en émanciper. Dans un second temps, cette présentation proposera une analyse des considérations politiques et sociétales à l’œuvre dans ces récits – violences domestiques, sexuelles, agraires – qui apparaissent dans les interstices de leur arrière-texte (Trouvé 2013). Enfin, nous souhaitons mettre au jour les stratégies narratives et stylistiques de ces autrices pour s’émanciper du carcan littéraire des récits des féminins du « je » (Jensen 2000) et, en creux, faire émerger une subjectivité auctoriale en construction.
Corpus étudié : Catharine Selden, Villa Nova; or, the Ruined Castle (1804) ; Eliza Kelly, The Matron of Erin (1816); Regina Maria Roche, The Nun’s Picture (1834).
Marine Galiné est titulaire d’un doctorat en études irlandaises consacré à l’étude des femmes et du féminin dans la fiction gothique irlandaise du XIXe siècle, sous la direction de la Professeure Sylvie Mikowski. Ses travaux de thèse ont été récemment publiés aux Presses Universitaires de Reims (EPURE). Ses recherches s’intéressent également à la circulation des motifs gothiques dans la culture populaire et aux interactions entre le corps et l’espace dans ces productions. Elle a publié sur des auteurs irlandais, de William Carleton à Joseph Sheridan Le Fanu, mais aussi sur certaines oeuvres gothiques des réalisateurs Guillermo Del Toro, Mike Flanagan et Lee Cronin. Elle est actuellement PRAG d’anglais au Campus des Comtes de Champagne (Université de Reims Champagne-Ardenne) et chercheuse associée au CIRLEP (Centre Interdisciplinaire de Recherche sur les Langues et la Pensée).
Galleri Joan– Université Paris Nanterre joangalleri@gmail.com
« L’Incomplétude empathique comme motif dickien de l’émancipation »
Philip K. Dick publie en 1964 une nouvelle intitulée « The Little black Box ». Avec elle, K. Dick inaugure un pan important de sa cosmogonie : le mercerisme, une sorte de religion centrée sur la souffrance d’un certain Wilbur Mercer et dont le principal artefact est la fameuse boîte à empathie. K. Dick reprend et développe ces éléments dans son roman Do Androids Dream of Electric Sheep?, publié en 1966, qui fera l’objet d’une adaptation au cinéma par Ridley Scott sous le titre Blade Runner (1982).
Si l’on ajoute à cela le Blade Runner 2049 de Denis Villeneuve, sorti en 2017, se dessine
un ensemble d’œuvres présentant la caractéristique d’être enchâssées les unes dans les autres. Je proposerai donc une lecture de la manière dont ces quatre oeuvres s’articulent entre elles autour d’un motif, celui de l’émancipation. Pour cela, je discuterai l’évolution de la place qu’attribue K. Dick à l’empathie dans la nouvelle puis dans le roman avant de montrer en quoi sa vision diverge de celles proposées par Scott et Villeneuve dans leurs adaptations. En m’appuyant sur l’attention prégnante que K. Dick semblait porter à l’empathie dans l’ensemble de son œuvre, il s’agit pour moi de montrer comment les dispositifs qui lui sont attenants – et qui la médient – évoluent (pour n’en citer que quelques-uns : les boîtes à empathie, l’orgue à émotion dans l’oeuvre dickienne et leurs interprétations au cinéma ; la machine de Voight Kampff chez Scott ; un simple jouet et la machine à souvenirs chez Villeneuve). Car si l’empathie apparaît chez K. Dick comme une condition de possibilité de l’émancipation, la dialectique chez Scott et Villeneuve paraît peu à peu renverser le paradigme originel.
L’incomplétude empathique comme stigmate de l’être émancipé chez K. Dick devient peu à peu celui du sujet assujetti dans ses adaptations : comme un déplacement dans Blade Runner, comme reconfiguration dans Blade Runner 2049. En considérant l’empathie comme condition dickienne de l’humanité, il attribue la puissance de sa réalisation dans l’autre et institue le manque – ainsi projeté – comme utopie. Je tenterai donc de répondre à la question suivante : en quoi la réactivation de l’imaginaire dickien au cinéma mène-t-elle à une forme renversée de son paradigme, remplaçant progressivement dans sa mise en scène le motif d’une voie vers l’émancipation collective par celui d’une incomplétude individuelle ?
Diplômé en Histoire de l’Art ainsi qu’en Sociologie, Joan Galleri est doctorant en Études cinématographiques à l’Université Paris Nanterre (ED 138). Il fonde ses recherches sur une approche transdisciplinaire et tente de faire se croiser art et sciences sociales. Il mène un travail de thèse sous la direction de madame Barbara Le Maître, intitulé : De la spatialité utopique du cinéma. Le cinéma de science-fiction de Denis Villeneuve au prisme de l’utopie marinienne.
Guerinaud Alexis – Université de Rennes II, ACE alexisguerinaud@gmail.com
« L’impossible définition des limites du jeu : les émancipations dans le jeu vidéo Doki Doki
Literature Club! »
Depuis la naissance d’un domaine d’étude dédié au jeu vidéo (game studies), les codes qui définissent le medium et régissent sa structure sont constamment interrogés. Les définitions proposées au début des années 2000 (Juul, 2005) peinent à rendre compte de la diversification croissante des œuvres produites qui s’émancipent de plus en plus des cadres établis (Juul, 2010).
Le jeu vidéo est un objet complexe qui est construit, d’une part, en remédiant (Bolter & Grusin, 1999) d’autres média narratifs (image, son, littérature…) et, d’autre part, en plaçant la.e récepteur.ice en position de joueur.euse, et donc potentiellement de protagoniste du jeu. On peut donc avancer que le jeu vidéo est difficile à définir de manière convaincante. En effet, les outils singuliers à la disposition des développeur.euses pour créer leurs oeuvres ouvrent une multiplicité de possibilités singulières de s’émanciper de toute structure.
Cette communication se propose d’étudier le jeu vidéo d’horreur psychologique Doki Doki Literature Club! (2017), développé par l’équipe américaine indépendante Team Salvato, pour rendre compte des possibilités offertes par le médium du jeu vidéo pour représenter l’émancipation. L’œuvre appartient à un genre que l’on nomme Visual Novel, qui échappe déjà aux définitions les plus strictes du « jeu », car il repose avant tout sur la lecture de dialogues scriptés. Son récit est également une histoire d’émancipation : celle d’un personnage de la diégèse qui prend conscience d’être dans un jeu vidéo, et entreprend de modifier le jeu de l’intérieur pour s’accaparer l’attention de l’avatar du.de la joueur.euse. Cette métalepse transforme Doki Doki Literature Club! En métafiction, et c’est alors au.à la joueur.euse d’aller modifier le jeu pour progresser.
En analysant individuellement, puis collectivement, ces formes d’émancipations présentées par Doki Doki Literature Club!, la communication pourra alors se conclure sur une réflexion sur les possibilités d’aborder une définition fonctionnelle du jeu vidéo malgré la plasticité des caractéristiques censées le structurer.
Alexis Guerinaud est doctorant en études anglophones au laboratoire ACE de l’université de Rennes 2 et professeur agrégé dans le secondaire. Son doctorat est dirigé par Hélène Machinal (laboratoire ACE, Rennes 2) et co-dirigé par Denis Mellier (laboratoire FoReLLIS, Université de Poitiers) et s’intitule : « Remédiation et narration : vers un langage du récit vidéoludique »
Jacquet Célia – Université d’Angers, ED ALL, 3l.am celia.jacquet07@gmail.com / celia.jacquet@etud.univ-angers.fr
« Quand la fantasy Young Adult réécrit le merveilleux : émancipation narrative et décentrement féministe dans la trilogie The Folk of the Air de Holly Black »
Héritière directe des contes de fées européens, la fantasy contemporaine pour la jeunesse entretient avec cette tradition littéraire un rapport ambivalent, oscillant entre hommage et subversion. La trilogie The Folk of the Air (2018-2019) de Holly Black s’inscrit dans cette dynamique en proposant une relecture radicale des topoï du conte merveilleux, et plus particulièrement de la figure féminine. Au travers d’une analyse narrative et genrée, cette communication visera à démontrer la double émancipation, à la fois générique et dans la typologie des personnages, à l’œuvre dans les pages de Black. En écho à la question posée par cet appel — la création de mondes imaginaires peut-elle offrir une résistance aux rapports hégémoniques ? —, on s’interrogera dans quelle mesure ce récit initiatique de fantasy opère un décentrement vis-à-vis des sources merveilleuses et des normes de genre qui les sous-tendent.
Toute résistance s’accompagnant nécessairement de persistances, nous verrons comment l’autrice conserve certaines fonctions du schéma narratif proppien tout en en délaissant d’autres, comme pour mieux subvertir les injonctions sexuées qui les sous-tendent. Contrairement aux héroïnes impuissantes des contes classiques, la protagoniste principale, présentée comme une anti-héroïne, s’empare du pouvoir politique par la ruse et la manipulation plutôt que par le sempiternel mariage avec le prince, lui-même complexifié et obscurci. Or, cette inversion nous semble montrer les limites mêmes de l’émancipation : malgré sa volonté de distanciation, Black ne s’inscrit-elle pas dans la continuité de la fonction pédagogique des contes en proposant un nouveau « modèle de civilisation », certes féministe, qui valorise désormais l’agentivité et l’empowerment plutôt que la soumission et la passivité ?
En tout cas, le monde féerique y subit une transformation idéologique significative : la cour imaginaire d’Elfhame devient en effet le théâtre d’une critique acerbe des structures patriarcales. Une politisation qui semble illustrer ce qu’Anne Besson identifie comme la capacité des littératures de l’imaginaire à être, par leur projection d’autres possibles, des « forces de propositions, susceptibles de contourner ou de subvertir les normes en vigueur », en favorisant la mise en place d’un nouveau type de récit initiatique où la quête identitaire de la protagoniste féminine passe désormais par la transgression.
Célia Jacquet est docteure en langues, littératures et civilisations anglophones, diplômée de l’Université d’Angers, son travail de thèse, effectué sous la direction de Taïna Tuhkunen au laboratoire 3l.am, a porté sur l’évolution de la princesse Disney vers une incarnation de la rébellion écologiste. Dans le sillage des Cultural Studies, ses intérêts de recherche portent principalement sur la culture populaire, sur le genre (en tant que catégorie générique et identité sexuée), sur les récits filmiques et la littérature, sur les fictions de l’imaginaire et sur la théorie de l’adaptation. Publications récentes : « ‘A girl is Arya Stark of Winterfell’: Construction de l’héroïne indomptée à la croisée des archétypes dans Game of Thrones » (Fantasy Art and Studies, n°14, 2023, pp. 130-143) ; « De l’autre côté de l’armoire, ou comment reconstruire une famille fracturée par la guerre grâce à la fantasy dans Le monde de Narnia », la revue transdisciplinaire multilingue Quaïna, n°13, « Entre drames, crises et rires : raconter la famille à l’écran », 2023 ; « Cosmic Rey : la face cachée de la sorcière palimpsestique dans Star Wars », TransversALL, n°7, « Poétique du nom propre II », Varia, 2022, pp.99-130.
Joseph-Vilain Mélanie– Université Bourgogne Europe, TIL melanie.joseph-vilain@ube.fr
« Magie, émancipation et féminité : The Wren Hunt (2018), The Wicker Light (2019) et Blood to Poison (2022) de Mary Watson »
Cette proposition de communication cherchera à étudier divers phénomènes d’émancipation dans certains romans de Mary Watson, autrice sud-africaine installée en Irlande. Deux d’entre eux, The Wren Hunt (2018) et The Wicker Light (2019), qui constituent une duologie, s’appuient sur le folklore irlandais tout en s’en émancipant afin de mettre en scène la complexité des rapports familiaux et communautaires. L’autrice elle-même déclarait en 2020 : « I am preoccupied with a certain kind of Irish experience (…) [namely,] displacement and assimilation into a new culture, being a [person of colour] in a predominantly white society, questions around belonging and the idea of the ‘outsider’. I write fantasy, so books about secret magical communities and sacrifice and witchy dolls and romance, and these themes might not be entirely obvious but they’re there. » Les héroïnes de ces romans, adolescentes en pleine construction de leur identité, sont confrontées à des rapports de pouvoir complexes dont elles tentent de s’émanciper. Dans Blood to Poison (2022), qui explore l’histoire de l’Afrique du Sud et l’héritage de l’autrice, les questions de transmission et d’émancipation sont également au cœur du propos. Watson se penche sur l’histoire familiale et la malédiction transmise de mère en fille, dont les femmes de la lignée s’efforcent, elles aussi, de s’émanciper. Comme dans la duologie irlandaise, la question de la sorcellerie est au cœur du roman. Je souhaiterais donc m’interroger sur ce que, malgré leurs apparentes différences, ces romans ont en commun, en particulier l’utilisation de la magie comme vecteur de contrôle mais aussi d’émancipation, tant au niveau familial qu’au niveau collectif, pour les personnages féminins. Il sera nécessaire, pour ce faire, de s’interroger sur le mélange des genres (littéraires) opéré par l’autrice et sur sa fonction potentiellement émancipatrice.
Mélanie Joseph-Vilain est professeure de littératures anglophones (XX-XXIe s.) à l’Université Bourgogne Europe (Dijon). Spécialiste de littératures sud-africaines et diasporiques, elle s’intéresse aux questions de filiation littéraire et à la littérature de genre (gothique, littératures policières, fiction spéculative, réécritures postcoloniales d’œuvres occidentales) ainsi qu’à la question de l’espace dans la littérature sud-africaine et dans les littératures transatlantiques. Elle a publié en 2021 un ouvrage qui se trouve à la croisée de ces questions : Post-Apartheid Gothic: White South African Writers and Space (Fairleigh Dickinson University Press)
Labanieh Aya – Université de Columbia et de Berlin, EUME aya.labanieh@columbia.edu
“Migrant Dystopias: American Civil War as Imagined from the Margins.”
In American fiction, civil war is both a historical haunting and a dystopian horizon. While many such fictions merge future civil strife with other fantastical, apocalyptic, or sci-fi elements, such as zombies, aliens, and ecological disasters, some scholars have coined the term “Second Civil War novels” or “CWII” (Boucher, Young, Fetherston 2025) to demarcate a certain subset of American dystopian fiction: works that depict strictly plausible narratives of near-future violence and civil strife, without recourse to fantasy or forms of technology that do not already exist. While these fictions tend to be produced by right-wing authors with overlaps in the survivalist movement (and even express sympathy with right-wing militias), immigrant authors have their own Anglophone meditations on civil war that I argue should be placed in dialogue with this overwhelmingly right-wing imaginary. Drawing on their own experiences of civil war in the Middle Eastern context, Egyptian-born Omar El Akkad and Iraqi-born Anoud (pseudonym) use plausible future projections of civil war (within the American heartland or on its outskirts, set in years 2074 and 2103 respectively) to think about how thin the veil between “there” and “here” truly is.
While both authors write in English and have spent substantial parts of their lives in the United States—with El Akkad going on to acquire U.S. citizenship—their immigrant experiences color how they approach the topic. Rather than the triumphalist and pro-secessionist arcs of CWII fiction, which view the societal collapse as an opportunity for [white] emancipation, these authors use civil war to repackage real Global South traumas in new ways that audiences may not be desensitized to, because they are being inflicted on white bodies—from the massacres of Sabra and Shatilah refugee camps to the torture techniques of Guantanamo Bay. In my paper, I will focus on El Akkad’s novel American War (2017) and Anoud’s short-story “Kahramana” (2016) to analyze how Arab immigrants theorize American dystopia, and where they locate emancipation in their renderings of civil war.
Aya Labanieh is a scholar of empire, conspiracy, media, and memory culture. She received her PhD in English and Comparative Literature from Columbia University, with a dissertation entitled “One Thousand and One Nightmares: Colonial Conspiracies and Their Afterlives in Modern Middle Eastern Media” (2025). She is presently a research fellow at Columbia University’s Narrative Intelligence Lab and affiliated with the EUME research center at the Forum Transregionale Studien in Berlin. Her work contends with the intertwinement of conspiracy, memory, and power in Anglophone and Arabophone literatures and mediaspheres—spanning genres of dystopian science fiction, radical Internet subcultures, and the memoirs of agents and spies. She has published in, among others, the Journal of Arabic Literature, Journal of Medical Humanities, Tulsa Studies in Women’s Literature, and the Journal of Postcolonial Writing, alongside public-facing venues such as Aeon and the Los Angeles Review of Books.
Le Garff Maïwenn-Iman – Université Paris Nanterre zekrilemi@parisnanterre.fr
« Inventer des mondes féminins : Reconfiguration des archétypes de la SFF chez Ursula K. Le Guin »
La deuxième trilogie d’Earthsea, écrite vingt ans après la première, a été reçue par une partie des fans comme une trahison de l’œuvre originelle : Le Guin y délaisse la diction mythologique et intemporelle des trois premiers romans au profit d’une exploration sans concession de la nature du pouvoir et des enjeux de domination. Cette seconde trilogie, qui donne voix aux femmes, aux mutilés, aux oubliés et aux impotents, propose ainsi une véritable reconfiguration du monde d’Earthsea. Replacée dans le contexte plus large de la carrière de l’autrice, cette reconfiguration n’apparaît pas comme une rupture mais plutôt comme l’aboutissement d’un processus réflexif au long cours.
La théorie du « langage de la nuit », que Le Guin formule en 1974, oriente sa démarche d’écriture dans les premiers temps de sa carrière. Au tournant des années 1980, cependant, l’autrice commence à questionner les limites de ce cadre théorique, et son carcan principal : l’archétype sur lequel il repose est bien souvent un impensé et, par là, un lieu de la perpétuation des dominations. “I am a man,” écrit-elle en 1990, faisant écho au roman de Joanna Russ The Female Man (1975). “[W]hen I was born, there actually were only men . . . I am not sure that anybody has invented old women yet; but it might be worth trying.”
Le Guin commence graduellement à renégocier les archétypes qui sous-tendent son écriture,3 avec de premières expérimentations dans The Tombs of Atuan (1971) — qui relate l’émancipation d’une jeune fille vis-à-vis de la religion mortifère dans laquelle elle est née —, puis dans The Eye of the Heron (1978), récit de SF dans lequel l’autrice tue la figure du héros comme on tuerait celle du père ; elle remet alors la trajectoire de l’histoire aux mains d’une héroïne involontaire, à qui il reviendra d’inventer de nouveaux modes de résistance basés sur la récessivité plutôt que sur la confrontation. Mais c’est bien The Beginning Place (1980), lointaine réécriture du classique de Dunsany The King of Elfland’s Daughter (1924) et roman de portal fantasy résolument inescapiste, qui entérine le changement d’attitude de l’autrice vis-à-vis des horizons et modalités de la fantasy. Dans ce roman, le monde de fantasy n’apparaît plus comme un ailleurs mythologique et inaltérable ; il devient un espace transitoire et ordalique, miroir déformant d’un monde réel dont il convient aux protagonistes de déconstruire les représentations afin de se l’approprier. Ce roman de la réaction apparaît comme l’étape la plus décisive du cheminement émancipatoire de l’autrice : dans un univers mental où le féminin reste à inventer, il faut apprendre à écrire contre avant de pouvoir écrire pour.
Agrégée d’anglais, Maïwenn-Iman Le Garff prépare une thèse sur l’œuvre d’Ursula K. Le Guin sous la direction de Benoît Tadié. Elle s’intéresse particulièrement à la thématique de l’hybridité, aux problématiques décoloniales et postcoloniales, aux mondes traditionnels en mutation, et aux entrecroisements de la littérature et de l’anthropologie. En thèse à l’université Paris Nanterre sous la direction de Benoît Tadié (“How shall a human being live well, then?” Perspectives anthropologiques du faire-monde dans l’oeuvre d’Ursula K. Le Guin). Communications récentes : « Approches du mythe dans Rocannon’s World d’Ursula K. Le Guin » (Communication au groupe Modernismes du CREA (Université Paris Nanterre) ; « Houses, Hinges and Harmony in Ursula K. Le Guin’s Always Coming Home » (Colloque The American House (Université de Bretagne Occidentale)), « From Starjumping to Churten: Towards an Abolition of Transition in Ursula K. Le Guin’s Hainish Cycle” (Congrès Transitions de la SAES (atelier LIMISA)) ; « Le nom, l’innommable, l’indicible : Pouvoirs du langage dans le cycle de Earthsea d’Ursula K. Le Guin » (Colloque international Nommer, Dénommer, Renommer : le pouvoir du nom dans les cultures et littératures anglophones (Université Lyon 3).
Perrier Marie – Université de Lille, CECILLE marie.perrier@univ-lille.fr
« Traduction et genres de l’imaginaire : des contraintes des codes à l’envol mythopoétique »
En tant qu’ensemble particulier au sein du champ littéraire français, les genres de l’imaginaire dans leur diversité se sont construits et continuent d’évoluer au gré de négociations culturelles fortes : la science-fiction et la fantasy, notamment, ne serait-ce que par la non-traduction de l’étiquette qui les désigne en français, portent la marque de leur importation depuis la sphère anglophone. Dans cette communication, on interrogera la manière dont la traduction des fictions de l’imaginaire a pu mettre en jeu certaines des grandes questions de la traductologie au fil du temps. Tout d’abord, quel rôle ont pu jouer la traduction et ses acteurs dans l’ancrage et la constitution des codes sur lesquels reposent ces genres en France, par le biais de la sélection de textes à traduire, des stratégies de traduction mises en place, et des discours autour des textes.
Dans un second temps, on verra comment la traduction de mondes imaginaires jette un éclairage nouveau sur l’une des dichotomies structurantes des études traductologiques, à savoir l’opposition entre « domestication » et « exotisation » (L. Venuti, 1995) : la traduction d’un texte par essence « étrangéisé », qui place la représentation de l’altérité au cœur de sa poétique, nécessite de remettre en question les négociations habituellement binaires entre culture source et culture cible pour tenir compte de cette défamiliarisation « au carré ».
À ces considérations, on ajoutera la question de la retraduction des fictions jouissant d’une forte popularité et d’une diffusion large. Non seulement celles-ci représentent un potentiel de rentabilité qui augmentent leurs chances de donner naissance à de nouveaux projets éditoriaux, mais l’engouement du public peut également avoir un impact direct sur ces projets. En effet, lorsque la ou les traductions antérieures ont fait date et établi une certaine tradition de représentation en français, qu’il s’agisse des noms des lieux et personnages de la Terre du Milieu de Tolkien, des titres emblématiques des nouvelles de H.P Lovecraft, ou du style archaïsant des premiers volumes en français de la série du Trône de Fer de G.R.R Martin, il peut être risqué d’aller à l’encontre de cette tradition et de s’aliéner un lectorat qui ressentira comme « infidèle » (par rapport à la place de l’œuvre source dans son encyclopédie personnelle) une retraduction vouée à défendre sa légitimité.
Toutefois, devoir se défendre implique de se voir ouvrir un espace d’expression, et donc de visibilité : là où naguère, la figure du traducteur de textes considérés comme « paralittérature » se voyait reléguée dans les ombres, les retraductions de plus en plus fréquentes et nombreuses depuis le début du XXIe siècle, d’œuvres devenues de véritables classiques des fictions de l’imaginaire, donnent aux traducteurs un pouvoir inédit jusque-là. On passera en revue quelques exemples récents de projets traductifs qui ont laissé au traducteur une part de liberté plus importante que jamais dans le processus éditorial, traités en spécialistes, en guides privilégiés. Des espaces paratextuels leur donnent droit à la parole, non pas uniquement pour se défendre, mais pour faire apparaître le caractère non définitif de la traduction. Chaque itération, loin de remplacer celles qui l’ont précédée, vient ainsi grossir l’aura mythopoétique d’une œuvre qui s’incarne dans la multiplicité de ses avatars, dont chaque variante ravive l’émerveillement de la redécouverte.
Marie Perrier est maîtresse de conférences à l’université de Lille où elle enseigne la traductologie, la traduction littéraire et audiovisuelle. Traductrice littéraire, diplômée en études irlandaises et en traduction cinématographique, elle est également l’auteur d’une thèse de doctorat dans laquelle elle a étudié la création et la transmission des mythes dans les littératures de l’imaginaire par le biais de la traduction, en particulier chez les auteurs H.P Lovecraft et Lord Dunsany. Elle s’intéresse plus généralement aux phénomènes de réception et de circulation des mondes fictionnels dans les champs littéraires francophone et anglophone. Dernière publication : « Des mots aux mondes : cartographies imaginaires en traduction », actes de la XXVIème rencontre du Réseau thématique « La traduction comme moyen de communication interculturelle » (Między Oryginałem a Przekładem, Vol. 31 N° 2/68 (2025) : La traduction intersémiotique : entre le texte et l’image https://doi.org/10.12797/MOaP.31.2025.68.04 ).
Pillegand Le Rider Georges – Université Sorbonne Nouvelle, Prismes georges.pillegand@sorbonne-nouvelle.fr
« Au coeur de la Weird Fiction : Annihilation (2014) Jeff VanderMeer, objet multiple d’émancipation littéraire »
Le roman Annihilation, que Jeff VanderMeer publie en 2014 et qui deviendra le premier opus de la saga Southern Reach, permet à de nombreux égards de comprendre et de détourer le mouvement New Weird, auquel l’auteur dédiait d’ailleurs un ouvrage théorique quelques années auparavant (VanderMeer & VanderMeer, The New Weird, 2008). Comment le New Weird, descendant direct de la Weird Fiction du début du XXème siècle et de ses récits désormais souvent perçus comme racistes et misogynes, admet-il cet héritage tout en le réinvestissant de problématiques sociales contemporaines ? Si par exemple les œuvres de H.P. Lovecraft (figure de proue des débuts de la Weird Fiction) ont permis d’ancrer les monstres et les réflexions propres à ce mode littéraire naissant, nombre de critiques rappellent les sous-textes questionnables de ces récits : « Lovecraft’s tales […] were written in the heyday of eugenics and are full of a shuddering preoccupation with and aversion to interbreeding (actually, any kind of breeding), miscegenation, degeneracy, and devolution » (Tompkins §8).
Dans les années 1990, des auteurs tels que Jeff VanderMeer, China Miéville ou Kathe Koja constituent par leurs récits le New Weird, souhaitant se démarquer des parts d’ombres de ce qu’ils nomment la Haute Weird – « Lovecraft’s racism, misogyny, anti-Semitism, and xenophobia » (Robertson 132). Ma proposition de communication vise à explorer, à travers l’analyse du roman de Jeff VanderMeer, la relation ambiguë que le New Weird entretient avec la Haute Weird, entre héritage et émancipation. Le cas d’Annihilation me permettra également d’ouvrir la réflexion sur d’autres parentés intertextuelles ambivalentes que l’œuvre entretient (avec, par exemple, le Heart of Darkness de Joseph Conrad).
Georges Pillegand Le Rider est doctorant à l’Université Sorbonne Nouvelle (ED MAGIIE, équipe Prismes) et travaille sur l’imaginaire contemporain de l’extraterrestre aux États-Unis, en lien avec les études environnementales. Sa recherche s’articule sur un corpus multimédial (littérature, cinéma, photographie, jeu vidéo). Publications : L’Extraterrestre face au féminin/masuclin (L’Harmattan, 2021) ; « Jordan Peele et le canon poësque : revisiter l’horreur » (Imaginaires, n°27, 201-216, novembre 2024, DOI : 10.34929/imaginaires.vi27.69) ; « Transmettre l’horreur : Annihilation> (2014) comme réécriture de Heart of Darkness (1899) » (Polysèmes, n°31, décembre 2024, DOI : 10.4000/13bet)
Prum Michel – Université Paris Cité, ECHELLES prum.michel@wanadoo.fr
« Underground Emancipation: Edward Bulwer-Lytton’s and Gabriel Tarde’s Imaginary Netherworlds ‒ A Comparison »
L’humanité a souvent rêvé de cieux nouveaux. S’émanciper est perçu comme un mouvement vers le haut. Pourtant, deux auteurs très différents, le romancier et homme politique anglais Edward Bulwer-Lytton (1803-1873) et le sociologue français Gabriel Tarde (1843-1904), grand rival d’Émile Durkheim, imaginent tous les deux une société qui s’est enterrée dans les profondeurs de la terre pour y trouver son salut. The Coming Race (1871) et Fragment d’histoire future (1896) sont deux œuvres surprenantes dont l’imagination débridée permet d’exprimer les angoisses de leur siècle. Cette communication vise à comparer ces deux textes très originaux, dont on ne sait si le premier a pu influencer le second.
Michel Prum est Professeur émérite en civilisation britannique à l’Université Paris Cité et membre de l’UMR ECHELLES. Il a fondé et codirige aujourd’hui le Groupe de Recherche sur l’Eugénisme et le Racisme (GRER). Il coordonne depuis 1999 la nouvelle traduction française des œuvres complètes de Charles Darwin. Après avoir fondé chez L’Harmattan en 2003 ‒ et dirigé depuis ‒ la collection « Racisme et Eugénisme » (61 ouvrages parus), il vient de fonder la collection « Minorités » chez l’éditeur Orbis Tertius. Il s’intéresse depuis longtemps aux sociétés utopiques et dystopiques et a publié des articles sur William Morris (Revue française de civilisation britannique), Samuel Butler (Cahiers victoriens & édouardiens, British & American Studies, Timișoara, Roumanie) et Edward Bulwer-Lytton (ESSE Lausanne, Suisse, ouvrage à paraître chez Mouton, 2026).
Sayed-Abbas Adel – FoReLLIS (Université de Poitiers) adel.sayedabbas@gmail.com
« HAHAHA, rire, douleur et émancipation »
Le clown circule entre les récits, les époques et les supports, transformant à chaque apparition le cadre, la hiérarchie des rôles et la manière même de percevoir le monde représenté. Souvent réduit dans les imaginaires collectifs à une grotesque façade colorée, synonyme de divertissement superficiel, il se déploie pourtant comme une figure complexe, capable de repenser les normes et d’ouvrir un espace critique.
Cette communication examine cette dynamique à partir d’un cas d’étude issu de mon corpus de thèse transmédiatique : le roman graphique V for Vendetta (Alan Moore & DavidLloyd, 1982-1989) ainsi que son adaptation filmique éponyme (James McTeigue, 2005). Cet ensemble revisite le sourire éternel du masque de Guy Fawkes, historiquement associé à la trahison lors du Gunpowder Plot (Conspiration des Poudres), pour en faire une figure de résistance, dans un Londres dystopique soumis au totalitarisme. Le personnage masqué déstabilise et redistribue les rôles sociaux en donnant voix à une minorité qui échappe au contrôle et crée un mouvement de contestation et d’émancipation.
L’étude se concentre sur deux formes d’émancipation : La première, interne à l’œuvre, à travers le personnage de V, explore les codes de la figure clownesque pour mobiliser le « trickster » au sens jungien, c’est-à-dire une figure liminale, ambivalente, fondée sur la transgression, la ruse et la mise à nu des structures sociales (Jung, 1959). Contrairement à une lecture plus frontale de la figure clownesque, le rire n’est pas une caractéristique définissant le trickster. Ce dernier offre plutôt un rire latent et indirect, représentant une forme de jubilation du lecteur/spectateur. Dans le cas de V, le sourire permanent affiché par son masque en est le symbole et agit comme instrument de subversion.
Un exemple charnière des thèmes abordés dans cette communication se trouve dans la scène où V capture Evey, une jeune femme ordinaire, et simule son emprisonnement et sa torture. Cette mise en scène, présente à la fois dans les deux versions de l’oeuvre, transforme la peur et la contrainte en catalyseur d’émancipation : Evey est forcée de se confronter à la douleur et la mort, de réfléchir sur la liberté et le pouvoir, pour finalement émerger transformée, consciente de sa propre capacité à résister.
La seconde forme d’émancipation, celle du lecteur/spectateur, invité à reconnaître dans cette même figure une voix marginale capable d’exprimer sa propre colère, son doute ou son désir de justice. À travers cette scène, le public observe comment la tension, la transgression et la mise en scène symbolique opèrent ensemble : le dispositif clownesque devient un vecteur de contestation et d’ouverture critique, permettant à chacun de percevoir les structures sociales sous un angle subversif et libérateur.
À travers le passage du roman graphique au film, la figure clownesque se réinvente. Les images et bulles deviennent des plans filmés à Londres, mettant en scène des acteurs en mouvement, dialoguant, accompagnés de voix, et musiques. L’immersion est totale et les thèmes proposés par l’œuvre prennent vie sous un nouveau jour, réinterprétée et ressentie avec une intensité renouvelée. La figure clownesque devient ainsi un espace de liberté : la parole dissidente s’y exprime, la critique se rend lisible et l’émancipation se manifeste autant par le rire que par la tension et la douleur qu’il révèle.
Adel SAYED-ABBAS est doctorant en littérature comparée à l’Université de Poitiers, sous la codirection de Charlotte Krauss (Poitiers) et d’Hélène Machinal (Rennes 2). Diplômé d’un master LLCER Études anglophones, option recherche, il prépare une thèse consacrée à la dimension transmédiatique de la figure clownesque, étudiée à travers un corpus qui englobe
littérature anglophone, linguistique, civilisation, sémiotiques, productions musicales, filmiques et vidéoludiques.
Tuffier Jean-François Université Toulouse II Jean Jaurès, CAS tuffier@univ-tlse2.fr, jeff.tuffier@gmail.com
“Time Loops, Many Selves: Rethinking Collective Identity in Netflix TV Series Bodies (2023)”
The 2023 Netflix adaptation of Bodies, based on Si Spencer’s 2015 graphic novel for Vertigo (DC Comics), brings a complex time-travel narrative into a mainstream medium. Its largely faithful transposition suggests that the story’s temporal concerns resonate with contemporary audiences. The series centres on the discovery of the same naked corpse in Whitechapel across four distinct periods, binding four detectives who remain unaware of one another, but whose investigations become interdependent. This structure, relying on parallel realities, foregrounds two key issues: the changeability of collective facts and the persistence of individual nature.
This presentation assumes that time-travel narratives in science fiction like Bodies create distanced reflective spaces through which audiences can question their own societies in a relatively depoliticised frame. In Bodies, the superimposition of temporal layers is not merely a narrative device, it exposes how collective anxieties and individual vulnerabilities intersect. Each period is defined by a dominant national fear – serial murder, war, terrorism, authoritarianism- while each detective simultaneously confronts a personal threat: queer persecution in the Victorian era, antisemitism in the 1940s, Islamophobia in the present, and ableism in the future. This constant oscillation between collective danger and personal precarity highlights the promises and limitations of time travel.
Firstly, the series challenges the fantasy of historical mastery. Emancipation proves impossible when the social climate is not conducive to it, suggesting that travelling to the past may not necessarily solve personal predicaments. Meanwhile, the utopian trope of changing the course of history collapses. The main antagonist uses time travel to consolidate authoritarian rule, while the machine’s inventor attempts to undo this by travelling backwards as well. Thus, this dual use reveals the risks of temporal intervention. Yet, the detectives’ ability to communicate across time through limited means illustrates that history can be bent -only partially- since human desires and solidarities persist.
Indeed, the detectives share a commitment to justice that resists the normative pressures of their respective eras. The corpse that links them, named Gabriel Defoe, symbolically functions both as a messenger and commentator. His repeated body evokes a revised, perhaps fragmented, Vitruvian figure, and it enables the four investigators, each rendered a “nobody” by their society, to form a collective self, capable of resisting authoritarian power.
Ultimately, Bodies superimposes temporalities to challenge the notion that the common good depends on national homogeneity. Instead, it puts forward a vision in which a plurality of singularities, cooperating across difference, shapes a free future. History remains unaltered enough to show that oppression can silence potential heroes, but also that solidarity across time can reopen emancipatory possibilities.
Jean-François Tuffier is a member of the SAES and the SEAC in France. He teaches film and cultural studies in the Department of Anglophone Studies at Toulouse-Jean Jaurès University and is also affiliated with the Centre for Anglophone Studies (CAS). He completed his PhD in Arts, Languages and Civilizations in November 2022. His dissertation, Complying with Inherited Models or Breaking Away from Them: Social (In)Visibility in British On-screen Fiction of the 1990s, examines how British commercial cinema and television of that decade construct and negotiate national identity. In June 2023, he gave a lecture at the international conference on the representation of homes in the arts at Lisbon University, focusing on the on-screen depiction of inbetweenness experienced by British-Asian households. In March 2024, he delivered a paper on British heritage TV series at the Popular Culture Association conference in Chicago. He recently collaborated on a co-authored article examining the arts of conversation in Howards End (novel, film, and series). In 2025, he wrote an article on the visibility of female characters in David Lean’s adaptation of A Passage to India. He also coordinated an international conference in Toulouse on the (re)making of myths in contemporary arts. His research explores the influence of visual culture on everyday life and mainstream media, with particular attention to race, gender, and cultural democracy. He is now a member of the DRU project, which promotes initiatives on the democratic roles of universities.