Responsables de l’atelier
David BOUSQUET (Université Bourgogne Europe)
Julie MICHOT (Université de Lorraine)
Jean SZLAMOWICZ (Université Bourgogne Europe)
Jeremy TRANMER (Université de Lorraine)
Bousquet David, Centre Interlangues TIL (UR 4182) – Université Bourgogne Europe, david.bousquet@ube.fr
“Rebel Music”: Characterising Reggae as a Music of Emancipation
Jamaican popular music has been heavily marketed in Europe and North America as a music of emancipation from the 1960s onwards through major figures such as Bob Marley, in a context of decolonisation and Black liberation movements. Academic literature has emphasised the revolutionary ethos of reggae lyrics as well but also its groundbreaking use of technology for music production and consumption. Sound systems, especially, are increasingly recognised as having pioneered hip hop and various electronic music genres and signalled profound changes in conceptual approaches to music-making that would become dominant in the industry in the 1980s.
This image, however, masks deeper tensions about the emancipatory character of Jamaican music and its significance. While much Jamaican music was overtly political in the 1960s and 1970s, it was also profoundly influenced by religious ideas and traditional conceptions of gender roles and has thus been arguably more emancipatory for men than for women. And while it certainly used technology in subversive and alternative ways, that was as much the product of necessity as of a conscious attempt from practitioners to emancipate themselves from the dominant practices of the pop music industry.
Such tensions are often erased from popular discourse that seeks to promote reggae as protest music, often to enhance its commercial appeal for North American and European audiences. While I generally support the characterisation of Jamaican popular music as emancipatory, this paper will seek to appreciate this character more accurately through careful contextualisation, resisting attempts at essentialising Jamaican music and holding in balance its local history and its transnational development.
David Bousquet is a senior lecturer at Université Bourgogne Europe in Dijon and a member of the Centre Interlangues – Texte, Image, Langage (TIL – EA 4182). He specialises in Jamaican popular music and its adaptations in the United Kingdom (and to a lesser extent in France). His work focuses mainly on song lyrics, analysed in context using an approach inspired by cultural studies and postcolonial studies.
Cotteau Karla, CIRPaLL EA7457 – Université d’Angers, karlaecook@hotmail.com, k.cotteau@univ-angers.fr
“Good Rockin’ Tonight”: Finding Freedom through Music Texan Style
There is a long history of music being associated with different forms of emancipation, and there is no exception when it comes to Texan artists. From Buddy Holly’s pioneer work in creating the rock and roll sound to Willie Nelson speaking about legalizing marijuana and from Janis Joplin being a symbol of counterculture in the 1960s to The Dixie Chicks criticizing George W. Bush and the war in Iraq, musical, cultural, political, and social changes have been brought about, in part, thanks to the work of Texan musicians. Liberty is one of the most fundamental values held by Texans, as can be seen in the cultural icon of the Texan cowboy, and it is no surprise that it is a recurrent theme in both Texan music and literature.
In this paper, after giving a brief introduction to the culture and music of Texas, I would like to study the short story “Good Rockin’ Tonight” by Texan author William Hauptman (born 1942). In this story, which raises questions about the nature of identities and trying to find happiness, a Texan man named Bubba finds freedom through his work as an Elvis Prestley impersonator. The story traces his rise and fall, and the ultimate transformation of his life, with his final comment of the story being “If there’s a prettier sight than an American blacktop road goin’ nowhere in the moonlight, I don’t know what it is.” While the freedom afforded by an open road might not represent the ideal of emancipation for everyone, for Bubba, it most certainly does. Through his musical performances as Elvis, he is emancipated from a boring desk job, from an unhappy marriage, from following society’s rules, and even some laws, and music remains the spark in creating this freedom.
Karla Cotteau holds a Bachelor of Music in Music Education from Texas Tech University (Lubbock, USA), a Master of Arts in Liberal Arts from St. John’s College (Santa Fe, USA), and a PhD in English Literature from the University of Angers (Angers, France) under the direction of Emmanuel Vernadakis. Her PhD dissertation is entitled “Art, Religion, and Sex: A Study of Words, Music, and Repetition in Anthony Burgess’s Short Fiction.” She continues to focus her research on intermediality and multimodality in short fiction, with a new-found interest in short fiction from her home state of Texas. She currently teaches Business English at the University of Angers.
Couderc Gilles, Laboratoire ERIBIA – Université de Caen Normandie, gilles.couderc@unicaen.fr
“He’s leaving home”: Britten et Owen Wingrave. Itinéraire d’un jeune homme en colère
En 1970 Benjamin Britten compose son opéra pacifiste Owen Wingrave d’après la nouvelle éponyme de Henry James pour honorer une commande de BBC TV, dans le contexte de l’invasion de la Tchécoslovaquie par les troupes russes en 1968 et la contestation étudiante contre la guerre du Vietnam à Kent State University en mai 1970. Owen Wingrave, unique rejeton d’une lignée de militaires, refuse de perpétuer la tradition familiale et meurt dans le salon hanté du domaine de Paramore, victime de la malédiction qui frappe ses ancêtres. Cette communication se propose de retracer l’itinéraire de Britten, « queer and conchie », à travers les œuvres officielles les plus marquantes de sa production où s’exprime sa colère face à une société broyeuse d’individualités.
Agrégé d’anglais, Gilles Couderc est l’auteur d’une thèse sur les opéras de Benjamin Britten, Des héros au singulier, les héros des opéras de Benjamin Britten (Université de Paris III, 1999) ainsi que nombreux articles sur les opéras et les œuvres de Britten et de Ralph Vaughan Williams. Maître de conférences à l’université de Caen Normandie à présent à la retraite, il a organisé de nombreux colloques sur les livrets d’opéra inspirés par le monde anglophone dont les actes ont été publiés dans la revue LISA/LISA e-journal. Membre associé du laboratoire ERIBIA, il continue ses recherches sur le rapport texte et musique, notamment chez les musiciens et poètes anglais des XIXe et XXe siècles, sur les figures de musiciens en littérature ainsi que sur la participation de la musique à l’identité britannique. Il a notamment codirigé le numéro de la Revue Française de Civilisation Britannique intitulé Musique, nation et identité : la Renaissance de la musique anglaise, 1880-1980.
Cregut Céline, Université de Poitiers, c.cregut@gmail.com
ENTRE GORGONE ET SIRENE : SWORDS OF DIS ET L’ECRITURE DE LA LIBERATION DU FEMININ
Loin des attendus usuels d’une chanteuse metal, les productions musicales d’Alice Corvinus, chanteuse et parolière du groupe anglais de black/doom metal Swords of Dis semblent s’émanciper des carcans esthétiques du genre. De l’acte de création (écriture automatique, chant enregistré dès la première prise) à certains micro-phénomènes vocaux parsemant l’album « Melancolia » (2023), Alice Corvinus propose une vision du féminin dont la libération se traduit par l’esthétique tout autant que par les paroles. Swords of Dis fait ainsi le portrait d’une féminité aussi séduisante que terrifiante, à la croisée de la sirène et de la gorgone.
Libérée de toute recherche de normativité musicale, Alice Corvinus présente une vision du féminin qui sublime l’inattendu, l’imprévu, voire l’abject. Loin pourtant de se perdre en un chaos conceptuel et esthétique, la voix d’Alice Corvinus est mise en exergue par la structure de chaque composition musicale, dont la charge est laissée à son compagnon Richard Corvinus, composition offrant un espace déterminé, mais paradoxalement libératoire, à la voix de la chanteuse. Au sein de cet espace, l’incontrôlable est une composante à part entière de chaque morceau et vient écrire un féminin englobant et absolu.
Cette présentation se propose d’examiner ce jeu entre l’invocation implicite du mythe et sa traduction par le phénomène esthétique, de l’extrême physicalité de la gorgone à l’ailleurs idéalisé incarné par la sirène. Elle sera étayée par des extraits de deux entretiens avec les membres du groupe, et s’articulera autour de l’écoute de trois courts extraits musicaux. A noter que cette présentation est la suite directe d’une partie d’une communication donnée le 4 juin 2025 lors du congrès de la International Society for Metal Music Studies à Séville (Espagne).
Discographie/Bibliographie
Swords of Dis. « Melancolia », « Oculus Diaboli », « Palimpsest ». Melancolia. I, Voidhanger Records, 2023.
Baychelier Guillaume. « Méduse à l’épreuve des affects : iconologie interartiale des figures monstrueuses radicales », dans Signatures du monstre, Chassay J.F, Machinal H. et Marrache-Gourraud M. (dir.). Rennes : Presses Universitaires de Rennes : 2017.
Détoc Sylvain. La Gorgone Méduse. Monaco : Editions du Rocher, 2006.
Dunn, Leslie C. (ed.), Jones, Nancy A. (ed.). Embodied Voices – Representing Female Vocality in Western Culture (1994). Cambridge: Cambridge University Press, 1996.
Gagnebin, Murielle. L’irreprésentable ou les Silences de l’oeuvre (1984). Paris: Presses Universitaires de France, 2015.
Galichon Isabelle. Le récit de soi – Une pratique éthique d’émancipation. Paris : L’Harmattan, 2017.
Le Breton, David. Éclats de voix. Paris: Éditions Métailié, 2011.
Leiris Michel. A cor et à cri (1988). Paris: Éditions Gallimard, 2016.
Mc Clary, Susan. Feminine Endings – Music, Gender and Sexuality. Minneapolis: University of Minnesota Press, 1991.
Céline Cregut est docteure en littérature anglophone, qualifiée MCF, et ATER à l’université de Poitiers. Ses recherches s’articulent autour de deux axes principaux, à la croisée de la littérature, du cinéma et de la musique : le premier axe s’intéresse aux représentations du vampire masculin, en particulier aux jeux d’absence/excès, dynamiques d’apparition de la figure et temporalité inhérente au vampire. Le deuxième axe de ses recherches rejoint les metal studies et étudie certaines nouvelles écritures du féminin sous l’angle du micro-phénomène vocal.
Céline Cregut a publié plusieurs articles universitaires et est l’autrice d’un article à paraître sur le projet Void ov Voices du chanteur et performer Attila Csihar (Mayhem, Tormentor). Elle prépare actuellement une monographie structurée autour de trois analyses relevant des metal studies.
Kondombo Luna, CREW – Université Sorbonne Nouvelle, luna.kondombo@sorbonne-nouvelle.fr
Féminité noire théâtralisée : les alter ego de Nicki Minaj comme pratiques d’émancipation
Dans cette communication, je propose d’analyser le thème de l’émancipation dans l’œuvre de Nicki Minaj, en particulier à travers ses deux alter ego : Roman Zolanski et Harajuku Barbie. Ces deux figures, loin d’être de simples évocations, sont des personnages complexes. En effet, formée au théâtre à LaGuardia High School of Music and Art and Performing Arts, Nicki Minaj inscrit consciemment son travail dans une logique de performance multiple. D’une part, c’est une performance scénique, vocale, musicale et corporelle qu’elle met en œuvre dans son rap et ses clips vidéo. Elle performe également dans un sens purement théâtral, mettant en scène Roman Zolanski et Harajuku Barbie comme de véritables personnages à part entière. Si la comparaison entre Roman Zolanksi et Slim Shady (l’alter ego d’Eminem) est souvent souligné – notamment grâce à leur collaboration dans le morceau « Roman’s Revenge » (2010) – la rappeuse fait un travail plus approfondi dans le storytelling, s’émancipant de la figure de l’alter ego rap traditionnel. Roman et Barbie ont une voix propre, des personnalités spécifiques, mais sont également liés à d’autres alter ego par des liens de parenté. Par exemple, Martha Zolanski est la mère de Roman, plutôt conservatrice, elle intervient pour calmer son fils qui lui de son côté, est un personnage homosexuel et violent. La Harajuku Barbie est l’opposée de Roman, elle est l’archétype de la femme noire hyperféminine. Tous deux remettent en question, voir déconstruisent, les codes de genre, de race et de classe.
Ainsi, l’étude de ces deux figures emblématiques met en lumière la manière dont Nicki Minaj utilise la théâtralité comme pratique d’émancipation des codes traditionnels du rap, mais également comme stratégie d’agentivité pour performer des féminités noires (Collins, 2000).
Luna Kondombo est doctorante en troisième année, en étude anglophone à l’Université Sorbonne Nouvelle, dans le laboratoire CREW. Elle est également chercheuse associée au laboratoire du CEMTI de l’Université de Paris 8. Ses recherches portent sur l’étude des féminités noires dans les performances des rappeuses dans l’espace transatlantique (France, Angleterre, États-Unis), de 2010 à 2023. Dans son travail, elle examine la manière dont les rappeuses noires performent leur féminité, et comment ces représentations voyagent, se transforment et s’adaptent aux contextes différents, tout en questionnant les dynamiques de pouvoir qui les façonnent.
Küffer Manon, Université de Lorraine, manon.kuffer@gmail.com
« That’s Jazz Made in Germany » : Émancipation ou contrôle ?
Deux scènes berlinoises face à la Guerre froide
Considéré comme « dégénéré » et interdit sous le nazisme, le jazz renaît avec l’arrivée des troupes américaines en 1945 à Berlin. Dans la ville divisée, les concerts reprennent mais se teintent rapidement d’une coloration politique. Ainsi, cette communication s’intéressera à la manière dont le jazz est à la fois un instrument d’émancipation, notamment politique, et de contrôle des Berlinois.
À Berlin-Ouest, le jazz est promu par l’occupant américain comme un outil de soft power, symbole de liberté et de modernité : la CIA finance secrètement la diffusion du magazine Schlagzeug, le gouvernement organise des bœufs à prix réduits pour les habitants de l’Est et les films font du jazz un agent facilitateur du rapprochement germano-américain (e.g. Hallo Fraülein, Rudolf Jugert, 1949). Dès lors, les concerts incarnent une volonté d’émancipation des plus jeunes, tandis que des initiatives comme le « Jazz Lift » – pont aérien de disques depuis les États-Unis – témoignent d’un désir de circulation libre des sons et des influences, tout en renforçant la présence culturelle américaine face à l’Est.
À Berlin-Est, en revanche, si les clubs tels que l’Interessengemeinschaft Jazz sont autorisés, leur activité est strictement surveillée. Le régime cherche à contrôler cette pratique musicale dont la popularité croît parmi la jeunesse : la Stasi infiltre la scène, soucieuse de limiter cette influence occidentale jugée « décadente » et de recueillir, par la même occasion, des informations sur les citoyens de Berlin-Ouest.
De cette manière, cette communication interroge la façon dont une musique née aux États-Unis devient un enjeu géopolitique dans l’Allemagne d’après-guerre, entre adaptations locales et instrumentalisation par les puissances occupantes. Elle se concentrera sur l’étude de la circulation des disques ainsi que des discours officiels et cinématographiques afin d’analyser comment, à Berlin, le jazz est manipulé à des fins de Guerre froide.
Manon Küffer est docteure en civilisation américaine et en études cinématographiques. En décembre 2024, elle a soutenu sa thèse « La Guerre froide vue par Hollywood : Berlin au prisme des rapports sociaux de genre, 1945-1961 ». Ses recherches portent sur la Guerre froide, l’histoire culturelle et les études de genre. Un article sur A Foreign Affair de Billy Wilder sera publié dans l’ouvrage Armed Farces (McFarland, été 2026). Manon co-dirige également, avec Julie Michot, la publication des articles du colloque « Discours politique et cinéma de fiction » (Université de Lorraine, mars 2025) dans les revues Interfaces et Lisa.
Marliere Maëlyn, Université Sorbonne Nouvelle, paul.marliere@sorbonne-nouvelle.fr
Queerness, gender and emancipation in early New York City Punk
In a 2016 interview for American magazine Remezcla, former Gun Club and Cramps guitarist Kid Congo Powers argued that “punk was very gay in the beginning” (Powers, quoted in Jackson 2016). In this article, Powers, who is gay, credited early New York punk bands like the Ramones and the Electric Chairs as key influences, both on his musicianship and his personal life.
In the early 1970s, Rock music in New York underwent deep cultural changes, largely motivated by avant-garde artists such as The Velvet Underground, the New York Dolls, and Patti Smith. It can be argued that those bands, except the Velvet Underground, – whose body of work dates back to the late 1960 – represent the first wave of New York punk. They indeed paved the way for outfits such as the Ramones and the Talking Heads. Beyond their sound, some of those artists proved influential in the way they performed gender and pioneered queer representations.
This paper therefore argues that the early New York City punk scene was a privileged space in which queer musicians like Jayne County could express their gender and sexual identity, thus partially emancipating themselves from a heteronormative environment. In the same fashion, women also took part in this emancipatory process, redefining the role of female artists. Before punk, the female singer in rock music was often relegated to the role of the folk singer (Joan Baez) or the psychedelic rock singer whose performance of gender was loosely based on traditional forms of femininity (Stevie Nicks). Early New York punk artists explored other forms of gender performativity, with one notable example being Patti Smith, whose androgyny became associated with CBGB’s.
Nevertheless, despite the radical transformations it allowed in rock discourse, New York City punk largely remained a male-dominated and heteronormative movement, which undermined its emancipatory power.
Maëlyn Marliere est actuellement en première année de doctorat à l’Université Sorbonne Nouvelle, sous la direction de Sarah Pickard. Son travail de thèse porte sur l’expression sociopolitique du corps, du genre et de la sexualité au sein de la sous-culture punk au Royaume-Uni et aux États-Unis de 1967 à 2024. Elle travaille également en tant qu’ATER au sein du département de mondes anglophones de l’Université de Lille.
Michot Julie, Université de Lorraine, julie.michot@univ-lorraine.fr
Le Pont de la rivière Kwaï et La Marche du colonel Bogey : entre émancipation et subversion
La Marche du colonel Bogey a été composée en 1914 par un chef de musique des Royal Marines, le lieutenant Frederick Joseph Ricketts, qui l’a publiée sous le pseudonyme de Kenneth Alford. Elle est devenue mondialement célèbre grâce au film Le Pont de la rivière Kwaï de David Lean, sorti en 1957 et dont l’action se déroule au début des années 1940 : une scène marquante présente des prisonniers de guerre britanniques qui arrivent dans leur camp japonais en défilant et en sifflant ce morceau avec une attitude de défi. Dans un film quasiment dépourvu de musique diégétique, La Marche du colonel Bogey et la discipline militaire qui l’accompagne semblent être les seules échappatoires pour des personnages soumis à l’oppression japonaise au cœur d’une jungle hostile – une émancipation symbolique accentuée par un accompagnement ajouté au montage sous forme d’orchestration qui va crescendo. Que la marche soit sifflée par des personnages en mouvement n’est pas un hasard : non seulement ceux-ci se réapproprient l’espace qui les entoure, mais ils s’affranchissent de la parole, ce qui leur permet de ne pas risquer de sanctions de la part des Japonais. Car l’intérêt de cette marche préexistante est aussi son sous-texte. En effet, dès sa parution au début de la Première Guerre mondiale, les soldats britanniques lui ont associé des paroles paillardes. Et quand le second conflit mondial a éclaté, le morceau a de nouveau été doté de paroles vulgaires pour tourner en ridicule l’absence de virilité supposée d’Hitler et des autres dignitaires du Troisième Reich. Bien qu’aucune parole ne soit utilisée dans le film, c’est bien celles de l’extrêmement populaire Hitler Has Only Got One Ball que le public britannique et américain des années 50 a « entendues ». Et pourtant, ce pied-de-nez à l’ennemi sur une mélodie triomphale et exaltante a aussi ses limites : la mise en scène, en particulier les gros plans sur les vêtements crasseux et en lambeaux des soldats, souligne leur statut de vaincus assujettis à l’armée japonaise, et donc le décalage entre la musique et les images. D’ailleurs, il est peu plausible que des prisonniers destinés à être enrôlés dans la construction du « chemin de fer de la mort » aient trouvé la force de parader alors qu’ils venaient de traverser à pied toute une portion de forêt tropicale. Cette communication propose une mise en perspective de la scène de l’arrivée au camp, à laquelle Le Pont de la rivière Kwaï est souvent réduit, et dont le pouvoir d’émancipation est pluriel : au-delà du sentiment de libération qu’elle procure aux prisonniers, l’utilisation ironique de La Marche du colonel Bogey est une façon pour Lean de subvertir les codes du cinéma hollywoodien classique où les gagnants et les perdants sont le plus souvent présentés sans ambiguïté.
Maître de Conférences HDR en Anglais à l’Université de Lorraine (Nancy), Julie Michot est spécialiste du cinéma hollywoodien classique. Elle est l’auteur de deux monographies : Billy Wilder et la musique d’écran : filmer l’invisible (Presses Universitaires de Reims, 2017) ; Fenêtre sur cour d’Alfred Hitchcock : sortir du cadre (Éditions Universitaires de Dijon, 2019).
Pantano Guiseppe, Université de Lorraine & Roma Tre University, giuseppe.pantano@univ-lorraine.fr
Female Emancipation and Gender Issues in an Intermedial and Transmedial Analysis of Kate Bush’s Running Up That Hill
This paper offers an intermedial analysis of the articulation between lyrics and music in Kate Bush’s Running Up That Hill (1985), exploring how the British singer-songwriter translates gender issues and female emancipation through her lyrical and musical choices. Bush epitomises the potential of music to serve as a critical mirror of society, engaging with themes such as gender, identity, and the complexity of human emotion (Morini, 2013). An artist deeply attentive to the female condition, Bush has given voice to numerous women from literature and history, creating a poetics of emancipation that extends beyond sound into narrative, performance, and lifestyle.
As Cawood (2016) observes, Bush has embodied the model of the female independent artist within a male-dominated environment. At only eighteen, she became the first woman to reach number one in the UK charts with a self-penned song (Wuthering Heights), initiating a process of full artistic agency that led her to progressively emancipate herself—also financially—from her label EMI, moving from co-production in Never for Ever (1980) to full self-production in Hounds of Love (1985).
Together with offering an intermedial analysis of Running Up That Hill, this contribution explores themes of female emancipation through the lens of the song’s enduring legacy and its transformation across media. Indeed, the piece continues to resonate across four decades through its prominent use in Pose (2019)—where it serves as a musical reinforcement of themes related to transgender relational dynamics—and Stranger Things (2022), where it functions as a means of female empowerment. Bush’s work ultimately exemplifies what Withers (2010) defines as the Bushian feminine subject: a creative identity that challenges gender norms and reimagines the relationship between voice, body, and expression.
Giuseppe Pantano is a singer-songwriter, tenured music teacher, and doctoral researcher pursuing a joint PhD between Université de Lorraine and Roma Tre University in English Studies and Educational Sciences, under the supervision of Prof. Jean-Philippe Heberlé and Prof. Amalia Lavinia Rizzo. His research investigates the articulation between words and music in the Anglophone singer-songwriter repertoire, from John Dowland to Kate Bush, integrating literary analysis, intermedial theory, musicology, and pedagogy. At Roma Tre, he is conducting a quasi-experimental study on inclusive music–language learning through Circle Singing and intermedial analysis. A visiting researcher at Sophia University in Tokyo from March to May 2026, he also explores the musical dimension of Haruki Murakami’s narratives and their intermedial/transmedial connections to anglophone music, having recently presented From Song to Novel: The Beatles and Murakami’s Norwegian Wood at IAFOR MediAsia 2025. He has published in Miranda and regularly presents at international conferences on music, literature, and education.
Routledge Tom, Université Aix Marseille, tom.ROUTLEDGE@univ-amu.fr
Shifting the Beat: Exploring Emancipation Through Female and Non-Binary Lenses in British Rap
This paper explores the role of female and non-binary artists in British rap music, and how their presence can both challenge and reinforce societal norms. While rap has long been a platform for marginalised voices to express emancipatory ideas, it can also perpetuate harmful stereotypes, such as misogyny and homophobia, often promoted – consciously and unconsciously – by male-dominated subcultures within the genre (Herd, 2014). This duality is evident in the works of some rap artists who reproduce toxic masculinities, fuelling narratives of dominance and exclusion through their lyrics, music videos & and lives performance (Weitzer & Kurbin, 2009 & Zhang, Dixon & Conrad, 2009). In contrast, female and non-binary artists in rap have regularly used the genre to resist such limitations, offering alternative narratives that challenge patriarchal structures and racial hierarchies (Ghio, 2020 & Qureshi, 2021). These artists not only reframe the genre’s traditionally male-dominated space but also push back against the erasure of marginalised voices within both mainstream and underground rap communities (Qureshi, 2021). By examining their contributions, we gain insight into how music – particularly rap – can both reinforce and subvert social hierarchies, and how female and non-binary artists engage in the ongoing struggle for gender, racial, and sexual emancipation within the broader cultural context of rap.
I am currently a PhD student at Aix-Marseille University in my second-year of research. The provisional title of my PhD is: La subversion du genre : le rap britannique au prisme des artistes féminines et non-binaires aux niveaux esthétiques, de performance et au niveau culturel.
My research aims to highlight the evolution of female and non-binary voices in a genre traditionally dominated by men, examining not only the lyrics, but also the aspect of performance itself: a staging of gender identity that extends beyond words.
I previously studied French & Francophone Studies at University of Birmingham as an undergraduate, before completing my French Masters degree at University College London. I have been teaching at Aix-Marseille University since 2022, and previously taught at Paul Valéry University – Montpellier.
Tabuteau Eric, Université d’Orléans, eric.tabuteau@univ-orleans.fr
Soumission ou émancipation ? L’absorption décriée de Fender par CBS en 1965 n’a-t-elle pas finalement permis au fabricant de guitares américain de se réinventer ?
La vente des marques détenues par Léo Fender à CBS (Columbia Broadcasting System) en janvier 1965 a largement été commentée par les spécialistes de l’histoire du fabricant de guitares américain comme un événement funeste ayant impacté négativement la qualité de ses instruments produits en Californie.
Pour ces critiques, la preuve en est que les guitares fabriquées antérieurement à cette date figurent parmi les plus recherchées par les musiciens professionnels, et leur prix de vente sur le marché de l’occasion atteint régulièrement des records.
Quant à celles qui ont été produites dans la période qui a suivi le rachat, elles ont été brocardées pour leur manque de fiabilité dû à des choix de production trahissant une obsession de la réduction des coûts.
S’il ne fait aucun doute que la transition d’un mode de fabrication encore en partie artisanal vers une production industrielle s’est effectuée dans la douleur, la marque aurait-elle pu conserver sa compétitivité si elle avait opté pour le statu quo et décidé de continuer à produire à l’ancienne ?
Alors que les Etats-Unis faisaient face à l’invasion britannique et voyaient déferler sur le sol américain des musiciens anglais porteurs d’un son innovant, l’entreprise Fender aurait-elle pu continuer à se contenter de ses marchés habituels, tels que le rockabilly ou la country, au détriment d’une demande bien plus forte émanant de nouveaux domaines musicaux, portée par des représentants influents tels que Keith Richards ou Eric Clapton ?
Les difficultés qui ont émergé à la suite du rachat de CBS n’ont-elles pas obligé les équipes dirigeantes successives à s’émanciper d’un modèle devenu caduque et à concevoir l’entreprise comme une entité dynamique, appelée à innover en permanence, à anticiper les évolutions du marché de la guitare, afin d’assurer sa prospérité ?
La présente communication s’efforcera de montrer que Fender est parvenu, à travers divers rachats et transformations, à trouver l’alchimie qui lui a permis de répondre à la demande d’une clientèle en profonde mutation et à rester en phase avec une industrie musicale en plein renouveau.
Eric Tabuteau est professeur de civilisation des pays anglophones à l’Université d’Orléans. Ses publications ont principalement porté sur les questions de multiculturalisme, d’immigration et de frontières. Passionné de guitare électrique, il s’intéresse aujourd’hui aux conséquences des stratégies commerciales mises en place par les grands fabricants de guitares américains, comme par exemple la délocalisation de leur production à l’étranger.
Tranmer Jeremy, Université de Lorraine, jeremy.tranmer@univ-lorraine.fr
Présentation de l’ouvrage Musique rock et chronique sociale au Royaume-Uni (1963-2023) : Des Beatles au Brexit
Cet ouvrage propose une analyse de la musique rock britannique et de sa capacité à faire état des situations et évolutions sociétales traversées par le Royaume-Uni. Depuis sa genèse dans les années 1960, ce genre musical semble en effet s’être distingué par un penchant pour la chronique sociale, car de nombreux événements de l’histoire socio-politique du pays sont décrits, et parfois critiqués, par les musiciens : l’essor des sous-cultures de la jeunesse, les périodes de prospérité ou de crise économique, l’avènement de nouveaux premiers ministres (notamment Margaret Thatcher et Tony Blair), sans oublier le Brexit et ses tumultes.
Le but de cet ouvrage est de réfléchir aux façons dont la musique (dans toutes ses dimensions : textes, sonorités, illustrations visuelles / pochettes) peut se voir conférer une valeur de chronique sociale, et d’interroger les modalités selon lesquelles de telles chroniques peuvent constituer un prélude à un engagement politique, à la fois chez les musiciens et éventuellement au sein de leur public.
Les différents chapitres de cet ouvrage illustrent une approche résolument pluridisciplinaire, au carrefour de la civilisation britannique, de l’histoire, de la musicologie et de la science politique. Chaque contribution est consacrée à une période distincte de l’histoire socio-culturelle du pays et dépasse souvent le simple champ de la civilisation. La perspective diachronique, assez peu adoptée dans le reste de la littérature consacrée au rock, constitue l’une des caractéristiques distinctives de cet ouvrage, permettant également de se pencher sur l’histoire très récente du Brexit, encore peu étudiée par ailleurs, notamment en France.
Jeremy Tranmer is a senior lecturer at the Université de Lorraine, where he teaches British Civilisation. He has published widely on the far left in Great Britain, but his main centre of interest is the relationship between music and party politics. He is currently working on how musicians expressed opposition to the Thatcher governments in the 1980s and engaged with the left.
Winsworth Ben, Université d’Orléans, ben.winsworth@univ-orleans.fr
‘I’m free and I’m waiting for you to follow me’: Forms of Freedom in the Who’s Tommy (1969)
Pete Townshend’s first rock opera tells the story of Tommy, the deaf, dumb and blind ‘pinball wizard’ whose miraculous cure inspired many disciples to follow his ‘amazing journey’ by closing their eyes, ears and mouths while playing pinball at Tommy’s Holiday Camp, a popular-cultural-conversion of the ashram! A weird and improbable plot, but no less so than many examples in classical operatic works. Furthermore, Tommy is no different to some of its more grandiose and baroque ancestors in using narrative – however flimsy – on a symbolic level. As Ken Russell’s 1975 film version shows, Tommy can of course be enjoyed as a fantastic story, but there are clearly deeper levels of meaning embedded within it: most of which have something to do with freedom. On a personal level, Tommy is a testament to Townshend’s discovery of the Indian avatar Meher Baba and both the album artwork and lyrical narrative celebrate breaking through the illusory nature of the quotidian world to find a more profound reality, paradoxically (for such a loud rock album) within the quiet, but nonetheless musically inspired contemplation of the self. In many ways Tommy’s ’amazing journey’ mirrors the transformations in Townshend’s own life as Baba provided him with a way beyond his discomfiting experience with psychedelia – both the music and the drugs – and his feeling of somehow not fitting in with the mid-to-late 60s zeitgeist. Baba’s teaching also freed him up to work on a project that finally pushed the music of the Who into the higher sphere Townshend had been looking for throughout A Quick One (1966) and Sell Out (1968) and find the ‘faith in something bigger’ that he sang about on an unreleased demo in January 1968. Bigger not only in terms of the size and sound of a concept helping pop to push harder at the boundaries dividing high culture and popular culture, but also in Townshend’s desire to nudge the post-war generation towards a spiritual awakening that would free them from the collective trauma of the past and the dangers of the pleasure-seeking materialistic present.
Ben Winsworth is Senior Lecturer/MCF in English Literature and Popular Culture at the University of Orléans. He is a member of the editorial board for The Journal of Beatles Studies and has published a variety of articles and book chapters on 20th century literature and on pop/rock/youth subcultures in the UK.